A história que se passa em 1965, é sobre um casal de doze anos que após um pacto secreto decidem fugir juntos. Com o acontecimento, os líderes da cidade imaginam que as crianças tenham sido sequestradas e resolvem iniciar uma busca.
O roteiro foi escrito por Anderson e Roman Coppola, e tem no elenco Bill Murray, Bruce Willis, Tilda Swinton, Edward Norton, Frances McDormand, e Jason Schwartzman.

O lançamento está previsto para maio desse ano nos EUA.

Giovanna Girioli

Designer de acessórios, colecionadora de imagens diversas e apaixonada por decoração, moda e felinos. | gigirioli@figurama.com.br

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Título Original: 2 Coelhos

Ano: 2012

Direção: Afonso Poyart

Sinopse: Edgar encontra-se numa situação natural para a maioria dos brasileiros, espremido entre a criminalidade, que age impunemente, e o poder público, corrupto e ineficiente. Cansado desta situação, ele resolve fazer justiça com as próprias mãos e elabora um plano que colocará os criminosos e corruptos em rota de colisão.
Eventualmente, junto com uma nova (super ou não) produção de muito destaque na indústria cinematográfica também vem um novo maneirismo – em muitas vezes, brilhante e perfeitamente aplicado – criado ou (re)adaptado pelos seus realizadores. Uma abordagem diferente, absorvida para se mostrar algo que, sem o uso de determinado recurso, poderia ficar sem destaque, desinteressante e/ou entediante. Estes invencionismos por sua vez acabam sendo utilizados à exaustão em projetos posteriores (vide a incontável quantidade de cenas que usam o efeito bullet time divisor de águas de Matrix), o que acaba de certa forma estimular a criação de novos e assim por diante, fazendo a grande roda da criatividade continuar girando. O cinema nacional não tende a seguir essa linha, dada a difença de foco, e acaba criando assim na cabeça da grande massa a impressão de que não há dinheiro ou, pior, COMPETÊNCIA disponível neste mercado para que o produto feito no Brasil chegue ao nível de Hollywood. 2 Coelhos prova justamente o contrário.

Com um roteiro estimulante, repleto de reviravoltas e valorizado pela montagem, 2 Coelhos faz uso da não-linearidade já bastante conhecida para contar a história de seus personagens e de suas relações uns com os outros, ao mesmo tempo em que aplica um ritmo frenético que tende a prender a atenção durante toda a projeção sem gerar cansaço. Já a linguagem descontraída é responsável por aplicar “leveza” à película como um todo, até mesmo nas cenas de tiroteio e perseguição, diminuindo a tensão e transformando-as praticamente em cenas de aventura (vale perceber justamente o diferente impacto no espectador se compará-las às equivalentes em Tropa de Elite). Por outro lado essa mesma aplicação de linguagem acaba gerando um ponto negativo, principalmente pelo filme não se manter em um único estilo, transitando assim de animações parecidas com o que já foi mostrado em Sucker Punch a diagramações que ilustram o texto do narrador exatamente como em Mais Estranho que a Ficção. Apesar dessa total incoerência estilosa, a narrativa acabou não sendo gravemente prejudicada – o que não deixa de ser uma agradável surpresa.

Já um dos maiores tropeços da distribuidora e seus colaboradores foi fazer um trailer que, embora seja dos mais eficientes já produzidos neste país, não só expõe muito da criatividade aplicada no filme, mas também acaba antecipando muitos desfechos das sequências. A narração, por sua vez, é uma metodologia que tende a ser considerada e Poyart resolve adotar não só o narrador protagonista (narração em primeira pessoa), mas também permite que este assuma o papel também de narrador onisciente (aquele que sabe de tudo e de todos e ainda manifesta suas impressões). Provavelmente foi uma decisão deliberada no intuito de dar mais agilidade ao andamento da história, mas não deixa de ser potencialmente prejudicial.

No que diz respeito ao elenco, os atores foram extremamente apropriados aos seus personagens: mesmo o evidente problema de dicção de Fernando Alves Pinto não chega a ser um empecilho para a construção do protagonista e Alessandra Negrini continua mostrando que é uma atriz pronta a desenvolver personalidades desequilibradas. Os maiores destaques são o sempre ótimo Caco Ciocler – capaz de convencer o público da existência de sua alma atormentada sem precisar dizer uma palavra, e praticamente todos os intérpretes dos “bandidos” – dentre estes, principalmente Thogun, Thaíde e Roberto Marchese, que por sua vez encarnou um vilão totalmente plausível e devidamente controlado.

Ambientado muito bem na cidade de São Paulo e sem perder a oportunidade de usar a crítica social como pano de fundo, um pequeno detalhe que não faz jus ao dia-a-dia da Cidade da Garoa é o modo como os personagens se tratam: em uma região onde é hábito comum entre pessoas que compartilham a mesma faixa etária dos protagonistas usarem as primeiras sílabas dos nomes como forma de tratamento (Marcelos e Marcelas são ‘Má’, Flávias e Flávios são ‘Flá’, entre muitos outros), parece pouco usual que jovens adultos de classe média se chamem por ‘Julia’, ‘Edgar’ e ‘Henrique’ todo o tempo – não que isso prejudique a experiência.

A miscelânea de referências sem fim a outros blockbusters – ainda que sugira ausência de identidade – e a valorização daquela atualmente em alta chamada cultura nerd, acabam servindo de exemplo para a triste grande quantidade de espectadores que questiona a capacidade da indústria brasileira de evoluir em técnica e conteúdo, mesmo depois da quantidade de sucessos que existem, embalados ou não na fôrma americana de fazer cinema.

Jacker Marini

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Um dos primeiros filmes do Sundance Festival 12 esse ano foi o ‘I am Not a Hipster, longa dirigido por Destin Cretton onde Dominic Bogart interpreta um músico que vive em San Diego, e tem que lidar com a visitas não tão bem vindas dos seus pais e irmãs.

O filme tem sido bem elogiado pela honestidade emocional, e as pelas muitas canções que compõe a narrativa.
Sem nenhum diálogo, o trailer a seguir passa bem a estética geral do filme.

Henrique Oli

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Dia 16 de março, estréia nos EUA a comédia americana em espanhol, com Will Farrel, “Casa de mi Padre“.

Dirigido por Matt Piedmont, com Gael Garcia Bernal, Diego Luna e Genesis Rodriguez no elenco, o longa foi baseado nas novelas mexicanas que conhecemos bem por aqui.

Armando Alvarez (Will Farrel) é um mexicano que trabalhou a vida inteira na fazenda de seu pai.
Quando a fazenda  começa a passar por dificuldades financeiras, seu irmão mais novo Raul (Diego Luna) resolve voltar para sua terra natal para ajudar nas dívidas.Genesis Rodriguez faz a noiva de Raul, por quem Armando acaba se apaixonando, e Gael Garcia é o chefe do tráfico da cidade que ameaça os negócios da família.

Henrique Oli

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Em 2008 o diretor francês Michel Gondry, lançou o termo “Suecar” no filme Rebobine Por favor / Be Kind Rewind, onde os personagens refilmavam grandes clássicos do cinema fazendo suas própias versões.
E foi isso que ele fez com o clássico Taxi Driver, longa dirigido por Martin Scorsese com Robert De Niro no papel principal.

Em quase 3min de filme, Gondry interpreta o personagem principal, Travis Bickle, e todo sangue do filme original foi subistituido por tinta colorida.

Henrique Oli

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Nesse final de ano anda saindo bastante coisa sobre esse longa de terror inglês, Kill List.
O filme acaba de levar o prêmio de melhor ator coadjuvante para Michael Smiley no British Independent Film Awards, e vem ganhando adeptos e críticos nos festivais por onde passou durante todo esse ano.
Dirigido por Ben Wheatley, o thriller que estréia dia 3 de fevereiro nos EUA, ganhou seu própio trailer:

Um soldado britânico (Maskell) retorna para casa de Kiev, oito meses depois que um trabalho desastroso, e se junta a um velho amigo para pegar um “novo trabalho”. Durante o pertubador serviço para que foram contratados Jay, começa a ter lembranças e ficar paranoico com seu passado.

Henrique Oli

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7 meninas skatistas, 1 van, 15 dias, 4.300km, 416 GB de material, tudo isso dividido em um video de quatro capitulos.

No segundo episódio da série Endless Roads, as garotas passam alguns dias na ilha de Mallorca na Espanha, fazendo downhills com locais e aproveitando o cenário da região.

Henrique Oli

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Novidades e fotos rolarão por lá…

Henrique Oli

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Título Original: In Time
Ano: 2011

Direção: Andrew Niccol

Tempo.  Algo que todos dizem ter ou não, dependendo do momento solicitado, por mais efêmero que o mesmo seja. Oras, o tempo não é um bem. É algo que passa alheio a vontade de qualquer um, sem alguém responsável por seu controle e ainda assim o mesmo pode ser comprado ou vendido – afinal não é por ele que os empregadores pagam seus empregados? Mas e a sensação de incapacidade de que não há nada que possa ser feito pra diminuir sua velocidade, controlar seu ritmo, revivê-lo? Essa total submissão dos seres vivos a uma “entidade” invisível e intangível, porém tão natural e impiedosa quanto qualquer força destrutiva da natureza – ainda que de acordo com seu próprio TEMPO – é motivo de questionamentos sem fim. Afinal, todas as dúvidas sobre o sentido da vida têm em um dos principais catalisadores o fato de haver um TEMPO limitado para se viver, embora não se saiba quanto e nem o porquê. Mas… e se o TEMPO fosse enfim tangibilizado? E mais: e se o TEMPO fosse pré-determinado e essa quantidade fosse de conhecimento geral e com isso, as pessoas pudessem usá-lo a seu favor? Esse é o interessantíssimo estopim utilizado em O Preço do Amanhã.

Niccol não é um diretor estreante tampouco um roteirista inexperiente. Conhecido por escrever e dirigir obras muito bem recebidas pela crítica e público como Gattaca, O Senhor das Armas e O Show de Truman – além de ter sido um dos escritores de O Terminal , tem seu talento para compor histórias dramáticas já comprovado, mesmo que estes sejam supostamente amenizados em primeiro nível pelo tom cômico de alguns ou romance de outros. Em O Preço do Amanhã, a decisão foi de manter o sci-fi e diminuir consideravelmente o aspecto psicológico. Não que o drama não esteja lá: em alguns momentos ele mostra um pedaço de si, mas ao contrário dos outros trabalhos, na maior parte das vezes ele é subjugado à ação e deixa de ser pano de fundo. Isso não implica em menor credibilidade, afinal o roteiro segue o gênero ao qual se propõe.

Dada a limitação de sua premissa (população para de envelhecer aos 25 anos – e isso não é um spoiler, já que é narrado nos primeiros cinco minutos da película), não existem atores renomados atuando nesta produção e também não foram escolhidos aqueles novos em idade e com maior tempo de exposição nas telas. São vistos apenas novos galãs e mocinhas que se esforçam para carregar o peso de seus personagens, alguns com mais sucesso do que outros. Justin Timberlake (que também atuou em A Rede Social e Amizade Colorida) continua mostrando que deu início a carreira de ator pra valer e consegue ser um bom protagonista. Cillian Murphy (Batman Begins, Café-da-manhã em Plutão e A Origem) comprova mais uma vez sua competência e talento fazendo um antagonista digno desse tipo de projeção sem esforço algum – talvez por ser o mais experiente. Amanda Seyfried, que vem protagonizando um filme atrás do outro (A Garota da Capa Vermelha e Cartas para Julieta) também não compromete o ritmo. Já Olivia Wilde (Tron: O Legado  e Cowboys & Aliens) está apenas bonita e sem maior destaque, como sempre. Da mesma forma que o praticamente estreante Matt Bomer (da série White Collar). Porém é mesmo de Alex Pettyfer (Eu sou o Número 4 e Alex Rider Contra o Tempo) a maior derrota, com uma atuação tão pífia e canastrona quanto aquelas de seus trabalhos anteriores – como se apenas beleza emplacasse um grande astro.

Outro ponto positivo deste projeto é o destaque implícito da fixação da sociedade atual na beleza e na juventude, criticando realmente o preço da manutenção de tal desejo. Infelizmente tais aspectos não são discutidos tão abertamente quanto o conceito de herança e o que ela poderia fazer com uma população vítima de algo próximo a uma quarentena. Pode-se citar por elemento negativo a falta de originalidade no que diz respeito à própria dinâmica das cenas: parece mais do mesmo – tiros, perseguição de carros e corre-corre. Pena que tamanha idéia dos realizadores acabe sendo tolida devido à natureza do rótulo.

Parecendo ser uma “homenagem” (ou seria herança?) claríssima a Bonnie e Clyde e aos clássicos 007, O Preço do Amanhã não soa enfadonho, não cansa o espectador e não fica entediante, principalmente pelo impacto totalmente diferenciado do uso de expressões comuns no contexto da trama. Afinal, “não ter TEMPO” significa muito mais do que ter algum compromisso que vai tomar algumas horas a mais do dia. Significa ter pouco ou praticamente nenhum TEMPO de vida.

Jacker Marini

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Título Original: O Palhaço
Ano: 2011

Direção: Selton Mello

A notoriedade do cinema nacional não começou ontem. Desde que os investimentos e esforços foram focados na produção de filmes teoricamente bem construídos, abrindo mão da então padronizada pornochanchada, houve uma ótima safra de bons exemplos – além daqueles que batalharam por uma estatueta do Oscar – que elevou a indústria brasileira a uma posição de destaque. Infelizmente existem aqueles brasileiros que “torcem o nariz” para o produto da casa por simples preconceito – geralmente os mesmos que evitam assistir a um filme argentino, coreano ou espanhol –, porém a cada dia essa manifestação gratuita de ignorância vem diminuindo. Prova disso é a incrível bilheteria de 1 milhão de reais que O Palhaço já arrecadou nestas três semanas de exibição. Incrível, não só pela quantidade de pessoas que assistiram, mas também por acabar não sendo uma história tão original justamente aquela responsável por tamanha atração.

Dizer que O Palhaço é tecnicamente impecável não seria uma verdade, sendo que quase todos aspectos realmente não são merecedores de nenhuma crítica negativa – fotografia, trilha sonora, montagem. Entretanto seu maior pecado reside na supervalorização de personagens somente pelo motivo de serem interpretados por participações especiais, fazendo com que sua exposição em cena seja realmente maior do que o necessário, indicando que a finalidade seria para que o público tivesse tempo de LEMBRAR qual personalidade seria aquela (Ex: Danton Mello e Ferrugem) – técnica utilizada por boa parte dos filmes da Xuxa . O seu timing cômico também é questionável e controverso: durante os espetáculos circenses exibidos no decorrer da projeção ele tende a ser ágil e plenamente capaz de arrancar sorrisos sutis de alguns ou gargalhadas de outros, porém suas tentativas de fazer rir durante as cenas que se passam fora do picadeiro soam enfadonhas, na maior parte coincidentemente pela razão comentada na frase anterior.

Selton Mello é indiscutivelmente um ótimo ator e ainda que deixe sempre uma dúvida sobre a natureza da lentidão e devaneios de seu palhaço fica longe de desapontar. Paulo José mantém a excelência costumeira e durante seu tempo em tela sempre mostra muito além do que suas palavras mostrando o melhor da soma: talento e experiência. Os demais do elenco fazem bom trabalho mostrando bastante naturalidade e química na maior parte do tempo, com destaque para a dançarina de Giselle Motta e a princesinha Larissa Manoela, âncora de uma das cenas mais tocantes da projeção.

Partindo de um argumento relativamente “batido” – a tristeza de um palhaço – o projeto, embora consideravelmente previsível, tem drama na medida certa e também estimula alguns questionamentos existenciais onde, em análise mais aprofundada, pode até mesmo representar pessoas mais próximas de cada espectador do que se pode imaginar, já que nem sempre estas são (foram ou serão) capazes de tomar as rédeas da própria existência dadas as limitações herdadas de seus progenitores. A busca pela sua função na vida é inevitável e sempre acaba passando pela cabeça de quem dedica ao menos dez minutos diários na tentativa de compreender o todo, mas definitivamente não deve haver sensação melhor do que a de encontrar o resultado daquele questionamento que parece sugar a energia vital do pensador, mesmo que o mundo dê voltas.

Jacker Marini

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